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一、「琴我合一」的理想
鋼琴是所有樂器中最能表達「音樂語言」的樂器之王；它以寬廣的音域和多彩的音色，經由演奏者的演奏來傳達作曲家的音樂思想。因此，演奏者是賦予鋼琴生命力的人，就像父母之於子女，大腦之於手腳，駕馭之際應出之以情，使之以方。
比起其他樂器的輕易入懷，鋼琴的龐大構造常使演奏者望而生畏，更別提和它親密與共。於是，如何體會鋼琴為自己身體的延伸，而在彈奏時，全心全意、全神貫注地和鋼琴緊密地結合為一體，這就成為演奏者最艱難而重要的課題。
（一） 從擦琴開始
如果你在上課時或演奏中，總覺得琴是琴，我是我，連鍵盤的黑白高低都分不清，這時不要洩氣，沒關係，你不妨試著從擦琴開始體會「琴我合一」的感覺。每次練琴前，先培養你的情緒，然後充滿愛心地擦拭你所面對的鋼琴，從琴鍵開始擦。擦一個鍵，做一次深呼吸，一定要吸到丹田，再細細地吐出；同時，以內耳冥想一下這個鍵的音高，然後下一個鍵。你可以在五分鐘內完成這個功課。接著，你還要擦亮琴身，想像它就是你自己美麗（英俊）的面容。
擦完琴身，請你端坐琴前，上身放鬆並微閉雙眼，平心靜氣地做丹田呼吸。吐氣時，以意念在腦海裡將鋼琴縮小入懷，反覆十次以上。
雖然這只是一些小小的動作，但只要你肯用心，琴我合一的感覺就會自然地呈現出來了。
（二） 意念集中在指端
指端是彈奏者和鋼琴之間做最親密接觸的部位。鋼琴所傳送的音樂語言是否清晰生動，就在於彈奏者能否隨時專注其意念於指端，自如地發揮每一個手指的獨特性以及指端各個部位變化音色的功能。一般演奏者之所以在演奏中失控，大都是因為指端無力承受重量來駕駛鍵盤所產生的後果。
蘇俄鋼琴教育家亨利‧涅高茲(Neuhaus, Heinrich 1888-1964)認為：「對於好的鋼琴家來說，手和鍵盤完全是互相依存的！」這句話說得非常好。經由意念集中所訓練出來的指端，必定能深穩無誤地出入鍵盤，進而發揮鋼琴的威力。
意念集中的訓練必須隨時存在於任何練習之中，即使是最初的手指獨立練習也要如此，彈奏者應專注地控制指端瞬間觸鍵的質量；而在音階的練習中，瞬間同時落指（彈奏），、抬指（預備）的動作，更必須由意念來帶動。這樣由最基本的手指動作來要求自己，大約一個月左右，意念集中的習慣就能建立起來。
（三） 讓身體的內力傳入指端
指端（著力點）和背部（支持點）之間的肩背腕掌是彈奏鋼琴時的能量輸送帶，由於鋼琴作品的無限多樣化，使得這個輸送帶必須靈活地在鍵盤間上下左右暢行無礙，以達成傳送能量的任務。而「完全地放鬆」則是先決條件。
正確的彈奏要領是指端有力，同時肩背腕掌放鬆，也就是，將指端和肩背腕掌視為不同職務的部位。但一般學生很不容易做到這一點。常見的錯誤是，指端和肩背腕掌往往處於互相牽制的狀態－指端有力時，手臂就跟著僵硬；肩背腕掌放鬆時，指端也同時相繼無力。如此一來，不是僵化的肩背腕掌使學生無法得心應手地親近鋼琴，就是軟弱無力的指觸喪失了和鍵盤緊密接觸的可能。
放鬆是人類先天所具有的身心狀態，卻因為錯誤的觀念和習慣，使它成為必須重新學習的功課，而身心僵化的習慣越深，學習放鬆的時間就愈久。
通常，「用力量重」觀念總是存在於生活中，要理解「放鬆量重」的現象，不妨透過一些容易理解的譬喻和實際體驗來啟發。例如：
1. 先來一次讓自己全身用力地坐進沙發，再來一次完全不使力地落向沙發，讓自己仔細觀察哪一次陷得比較深？
2. 先來一次在鍵盤上高舉雙臂用力敲下，再來一次高舉手臂放鬆落下，讓自己辨別兩次音響的質量差異。
3. 拿羽毛扇和竹扇以相同的動作比較何者扇處的風量較大，藉以說明彈性的威力。
一般學生理解道理之後，就比較願意用心體會放鬆狀態的感覺，而在老師的耐心引導下，循序漸進地軟化自己的身體，擁抱鋼琴，親近鋼琴。
二、揭開樂譜之門
作曲家將樂念構思於樂譜之際，雖然受限於當時的樂器性能和演奏技巧，但我們卻可以超越時空阻隔，從樂譜中尋找作曲加內心世界的無窮奧妙，而以更豐富的音響詮釋作曲家的音樂理念，再經由精確生動的演奏傳達給觀眾。在這個過程中，讀譜，做譜，背譜就成為最嚴肅而重要的工作，也是一般學生最不願意下功夫的功課。
（一） 掌握樂譜中的佈局
音樂是一門難以捉摸的時間藝術，演奏者必須理智地掌握音樂的組織結構，才能以冷靜的頭腦指揮多感的心，唱出感動聽眾的音樂，這個紮根工作必須像建築的開基工程一般地穩固，從細微的分析到整體的掌握，一點都馬虎不得。
九成以上的學生練習曲子總是一彈再彈地使手指熟練，當然，這樣也可以達到目的地，但是一道演奏時就無法做到安穩流暢，很可能錯一個因就慌張失措而全盤皆亂。
舒曼曾指出，「學習音樂必須訓練自己，在樂譜紙上也能了然於心。」舒曼的話真是一語中的，讀譜的訓練並非一蹴可及，由簡入繁的逐層學習是具有價值的時間投資。
（二） 做自己的樂譜
讀譜之時應以鉛筆畫出能使自己一目了然的文字或記號，例如：
1. 曲式結構的分段名稱以文字標記。
2. 重要和聲以和聲級數或功能名稱標示。
3. 主題以箭頭或括弧提示，或以色筆畫出。
4. 以大小英文字母標示調性。
5. 以圈或線來強化作曲家標示於譜上的速度、音量及感情的變化。
6. 以勾號標出分句點。
（三） 先背再練
這是必須從初學就養成的習慣，也就是從簡單的小曲子做起，以讀譜、唱譜、想譜、默譜的方式，一音一句地將譜背在腦海裡，並以內耳想像音樂之後，再動手練習。當然，兩者必須時時交替進行，直到手腦互動無礙。
背誦內容的先後次序可以自由策劃，以下幾項原則僅供參考：
1. 先透過讀譜及視奏，瞭解樂曲的整體架構，避免依賴唱片或錄音，如此才能養成獨立思考的習慣。
2. 以樂句為單位，先背和聲在仔細地分聲部或分手詳背，然後擴及樂段以至全曲。
3. 將大同小異的樂段抽出比較其在彈性、和聲、節奏上的細微差異，在分別加強記憶之。
4. 以倒背的方式考驗自己。
5. 堅持到底，永不氣餒。
三、遠離盲目無感的練習
在音樂的領域裡，任何技巧的訓練都必定要透過「感覺」才能達到事半功倍的效果。也只有以「感覺」為出發點的練習才能完成音樂的重現。如果一個人歷經數十寒暑的苦練仍然無法清晰自然地詮釋音樂，最先要檢討的就是練琴的態度和方法。
（一） 保持身心放鬆
在忙碌的課業壓力下，要每天擠出二至四小時練琴，有時還要背負著排不到琴點的憂慮，一進琴房便不假思索地鼕鏘起來，這時，身心都處於緊張疲憊的狀態，根本無法集中精神做完全而有效的練習。此時，不妨以五分鐘的時間作擦琴調息的功課。
心情平靜之後，再做五分鐘放鬆肌肉的動作，然後端坐琴前，閉目調息養神。如此開始，練琴的效果必定 勝過一般。
（二） 有計畫地練習
一個有抱負的學生，應該養成每次練習都做計畫的習慣。根據練習時間的長短，曲目的難易以及個人的特殊狀況等，列一個練習計畫簡表，並且照表進行，而在練習之後再做一番自我評量。
在一般的常態中，大學音樂係的學生每天的練習時數不應少於四小時，練習計畫的擬定有如下幾項大原則：
重質不重量，除了基本的純技巧練習及視奏必須每天練之外，其他作品可一難易輕重，輪流分配時間，而在時間內能夠有所得。絕對不要養成東練西練，卻不知自己練了什麼的習慣。
安排讀譜思考的時間，做無聲的練習。
確立兼顧技巧性及音樂性作品的練習目的。
安排錄音時間，尤其是在演出前兩週，一方面可以訓練自己完整地詮釋樂曲，一方面可以及早發現缺失，適時加以糾正。
視個別狀況，安排休息時間，應避免在精神渙散時繼續練習。
（三） 慢練是萬靈丹
「十次踉蹌九次快」，用這句俗語來警告那些自以為厲害而不顧慢練的學生是頗為貼切的。駕馭雙手在鍵盤上飛翔就像嬰兒之學步一樣，必須小心翼翼地站穩腳步，從慢而小的步伐開始，一步接著一步地練習，直到非常安全穩定時，在邁開腳步走快些，最後才學習奔跑跳躍。這個過程的每一個步驟都是建立在安全感的基礎上，而惟有富於安全感的飛躍，才有自由生動的可能。
一般天分較高的學生常在這方面有所疏忽，因而導致錯音百出、速度不穩、緊張忘譜。他們視譜快、感受強，拿到譜馬上就陶醉在幻想世界裡，卻忽略了理智地分析樂曲，漸進地訓練雙手，深入地探究音樂才是練習的必要途徑。於是披著美麗外衣的詮釋，就在演奏時經不起考驗地剝落了。
要建立慢練的習慣，使用節拍器是最好的方法。其優點大體如下：
1. 加強數細拍的能力。細數拍子是表現精確節奏的必要訓練，而節拍器的推動使練習更具效力。
2. 建立掌握速度的能力和信心。速度的詮釋因人而異，堅強的能力和信心則是快慢自如駕馭速度的條件。
3. 嚴格地控制從慢到快的練習步驟，對自我要求較差的學生有極為明顯的管制功效。
4. 為練習提供速度指標，從而激勵自己朝著指標努力邁進。
（四） 傾聽自己的聲音
「傾聽」在練琴的過程中式極為重要的心理活動，卻常被學生所忽略。我們可以發現有些學生在音樂基礎訓練課程中，音感成績極佳，但在練琴時錯誤百出卻毫不自知；我們也可以發現，有些技巧過人的學生，竟然不能察覺自己在音質層次上的缺乏變化，這都是在練琴時不曾結合「心」和「耳」的結果。
音樂是時間性的聲音藝術，而鋼琴音樂就如同安東‧魯賓斯坦(Rubinstein, Anton 1829-1894)所說：「你認為它是一件樂器嗎？它是一百件樂器！」鋼琴是何等的複雜多變，演奏者必須像樂團指揮一般能瞬息掌握音高音質的細微差異，而這個功夫就是從「傾聽」習慣做來。
自我訓練「傾聽」的能力，大體不離如下步驟：
1. 由複音音樂著手練習，以唱的方式分聲部背譜，然後，彈第一部唱第二部（注意音高準確），再以同樣的方式唱其他聲部，最後只留一個聲部不彈，而以唱代之。
2. 彈奏重要和聲，仔細傾聽辨識，並做移調練習。
3. 只彈和聲進行，用心或口唱出旋律。
4. 閉眼想譜，以內耳想像音響，再彈奏比較之。
5. 經常擔任伴奏或參與室內樂演奏，從合奏中養成「傾聽」的習慣。
（五） 拓展深遠的想像力
鋼琴的演奏藝術就如同其他藝術一般，演奏者必定要具有感性及知性的想像力，才能再創氣韻生動的音樂。然而，能兩者兼備以達平衡者為數極少；也就是說，感性想像力較強者，往往則知性想像力相對減弱，反之亦然。兩者的差距愈大，音樂的表現就愈不完美。
因此在學習的過程中，如何隨時拓展自己深遠的想像力，便是練琴之外的重要功課：
1. 閱讀傳記、詩詞、小說等文學作品，在文學與音樂緊密的交融中，啟發內在的感受能力。
2. 透過對繪畫、舞蹈、戲劇、雕刻等藝術的深入瞭解中，增進對色彩、氣氛、結構、均衡的掌握能力。
3. 接觸大自然以保持一顆純淨易感的新，敏銳地接受音樂的顫動，而吟唱出自然動人的樂音。
4. 熟稔管弦樂團各種樂器的音色及特性，在鋼琴演奏中以意念想像其色彩，而使音響更富層次性。
5. 訓練自己像一個指揮，以想像力駕馭十指，使如樂團一般彼此合作而各盡職守。
四、演奏之際當下放心
鋼琴演奏是樂器演奏中，必須由演奏者獨自面對觀眾來詮釋樂曲的活動。演奏者所承擔的責任和壓力，無疑地，絕對高於其他樂器的演奏者。然而，假若從另一個角度來觀察，鋼琴演奏實際上賦予演奏者較寬廣的自我展現的時空。如果我們已經正確地做好演奏前的練習，那麼，上台展現應該是十分自然愉悅的自我發揮，應該是神氣活現的自我展現，壓力又何足罣礙呢？
對於容易情緒失控的學生，以下幾點建議可茲參考：
1. 上台前和演奏中不要想譜，不去想，就不會自以為忘譜而窮緊張。
2. 演奏中，專注於「音樂」而放下「音符」，正確的練習以使琴人一體，無須擔心音符會字手中消失。
3. 「傾聽」自己的音樂如同練習時一般。當自己成為聽眾時，就不會害怕聽眾。
4. 經常保持冷靜的腦，熱情的心。如果緊張到無法冷靜，就專心於情感面的詮釋，也許有所缺失，但至少不會錯誤百出，不知所云。
5. 演奏前三週，必須完成準備工作。之後，每天慢速練習，錄音，或是找親戚朋友當聽眾做模擬演出。
6. 緊張現前時，立即深呼吸找回自我。
轉自 http://myweb.hinet.net/home15/legatochen/Piano%20and%20the%20player.html
鋼琴是所有樂器中最能表達「音樂語言」的樂器之王；它以寬廣的音域和多彩的音色，經由演奏者的演奏來傳達作曲家的音樂思想。因此，演奏者是賦予鋼琴生命力的人，就像父母之於子女，大腦之於手腳，駕馭之際應出之以情，使之以方。
比起其他樂器的輕易入懷，鋼琴的龐大構造常使演奏者望而生畏，更別提和它親密與共。於是，如何體會鋼琴為自己身體的延伸，而在彈奏時，全心全意、全神貫注地和鋼琴緊密地結合為一體，這就成為演奏者最艱難而重要的課題。
（一） 從擦琴開始
如果你在上課時或演奏中，總覺得琴是琴，我是我，連鍵盤的黑白高低都分不清，這時不要洩氣，沒關係，你不妨試著從擦琴開始體會「琴我合一」的感覺。每次練琴前，先培養你的情緒，然後充滿愛心地擦拭你所面對的鋼琴，從琴鍵開始擦。擦一個鍵，做一次深呼吸，一定要吸到丹田，再細細地吐出；同時，以內耳冥想一下這個鍵的音高，然後下一個鍵。你可以在五分鐘內完成這個功課。接著，你還要擦亮琴身，想像它就是你自己美麗（英俊）的面容。
擦完琴身，請你端坐琴前，上身放鬆並微閉雙眼，平心靜氣地做丹田呼吸。吐氣時，以意念在腦海裡將鋼琴縮小入懷，反覆十次以上。
雖然這只是一些小小的動作，但只要你肯用心，琴我合一的感覺就會自然地呈現出來了。
（二） 意念集中在指端
指端是彈奏者和鋼琴之間做最親密接觸的部位。鋼琴所傳送的音樂語言是否清晰生動，就在於彈奏者能否隨時專注其意念於指端，自如地發揮每一個手指的獨特性以及指端各個部位變化音色的功能。一般演奏者之所以在演奏中失控，大都是因為指端無力承受重量來駕駛鍵盤所產生的後果。
蘇俄鋼琴教育家亨利‧涅高茲(Neuhaus, Heinrich 1888-1964)認為：「對於好的鋼琴家來說，手和鍵盤完全是互相依存的！」這句話說得非常好。經由意念集中所訓練出來的指端，必定能深穩無誤地出入鍵盤，進而發揮鋼琴的威力。
意念集中的訓練必須隨時存在於任何練習之中，即使是最初的手指獨立練習也要如此，彈奏者應專注地控制指端瞬間觸鍵的質量；而在音階的練習中，瞬間同時落指（彈奏），、抬指（預備）的動作，更必須由意念來帶動。這樣由最基本的手指動作來要求自己，大約一個月左右，意念集中的習慣就能建立起來。
（三） 讓身體的內力傳入指端
指端（著力點）和背部（支持點）之間的肩背腕掌是彈奏鋼琴時的能量輸送帶，由於鋼琴作品的無限多樣化，使得這個輸送帶必須靈活地在鍵盤間上下左右暢行無礙，以達成傳送能量的任務。而「完全地放鬆」則是先決條件。
正確的彈奏要領是指端有力，同時肩背腕掌放鬆，也就是，將指端和肩背腕掌視為不同職務的部位。但一般學生很不容易做到這一點。常見的錯誤是，指端和肩背腕掌往往處於互相牽制的狀態－指端有力時，手臂就跟著僵硬；肩背腕掌放鬆時，指端也同時相繼無力。如此一來，不是僵化的肩背腕掌使學生無法得心應手地親近鋼琴，就是軟弱無力的指觸喪失了和鍵盤緊密接觸的可能。
放鬆是人類先天所具有的身心狀態，卻因為錯誤的觀念和習慣，使它成為必須重新學習的功課，而身心僵化的習慣越深，學習放鬆的時間就愈久。
通常，「用力量重」觀念總是存在於生活中，要理解「放鬆量重」的現象，不妨透過一些容易理解的譬喻和實際體驗來啟發。例如：
1. 先來一次讓自己全身用力地坐進沙發，再來一次完全不使力地落向沙發，讓自己仔細觀察哪一次陷得比較深？
2. 先來一次在鍵盤上高舉雙臂用力敲下，再來一次高舉手臂放鬆落下，讓自己辨別兩次音響的質量差異。
3. 拿羽毛扇和竹扇以相同的動作比較何者扇處的風量較大，藉以說明彈性的威力。
一般學生理解道理之後，就比較願意用心體會放鬆狀態的感覺，而在老師的耐心引導下，循序漸進地軟化自己的身體，擁抱鋼琴，親近鋼琴。
二、揭開樂譜之門
作曲家將樂念構思於樂譜之際，雖然受限於當時的樂器性能和演奏技巧，但我們卻可以超越時空阻隔，從樂譜中尋找作曲加內心世界的無窮奧妙，而以更豐富的音響詮釋作曲家的音樂理念，再經由精確生動的演奏傳達給觀眾。在這個過程中，讀譜，做譜，背譜就成為最嚴肅而重要的工作，也是一般學生最不願意下功夫的功課。
（一） 掌握樂譜中的佈局
音樂是一門難以捉摸的時間藝術，演奏者必須理智地掌握音樂的組織結構，才能以冷靜的頭腦指揮多感的心，唱出感動聽眾的音樂，這個紮根工作必須像建築的開基工程一般地穩固，從細微的分析到整體的掌握，一點都馬虎不得。
九成以上的學生練習曲子總是一彈再彈地使手指熟練，當然，這樣也可以達到目的地，但是一道演奏時就無法做到安穩流暢，很可能錯一個因就慌張失措而全盤皆亂。
舒曼曾指出，「學習音樂必須訓練自己，在樂譜紙上也能了然於心。」舒曼的話真是一語中的，讀譜的訓練並非一蹴可及，由簡入繁的逐層學習是具有價值的時間投資。
（二） 做自己的樂譜
讀譜之時應以鉛筆畫出能使自己一目了然的文字或記號，例如：
1. 曲式結構的分段名稱以文字標記。
2. 重要和聲以和聲級數或功能名稱標示。
3. 主題以箭頭或括弧提示，或以色筆畫出。
4. 以大小英文字母標示調性。
5. 以圈或線來強化作曲家標示於譜上的速度、音量及感情的變化。
6. 以勾號標出分句點。
（三） 先背再練
這是必須從初學就養成的習慣，也就是從簡單的小曲子做起，以讀譜、唱譜、想譜、默譜的方式，一音一句地將譜背在腦海裡，並以內耳想像音樂之後，再動手練習。當然，兩者必須時時交替進行，直到手腦互動無礙。
背誦內容的先後次序可以自由策劃，以下幾項原則僅供參考：
1. 先透過讀譜及視奏，瞭解樂曲的整體架構，避免依賴唱片或錄音，如此才能養成獨立思考的習慣。
2. 以樂句為單位，先背和聲在仔細地分聲部或分手詳背，然後擴及樂段以至全曲。
3. 將大同小異的樂段抽出比較其在彈性、和聲、節奏上的細微差異，在分別加強記憶之。
4. 以倒背的方式考驗自己。
5. 堅持到底，永不氣餒。
三、遠離盲目無感的練習
在音樂的領域裡，任何技巧的訓練都必定要透過「感覺」才能達到事半功倍的效果。也只有以「感覺」為出發點的練習才能完成音樂的重現。如果一個人歷經數十寒暑的苦練仍然無法清晰自然地詮釋音樂，最先要檢討的就是練琴的態度和方法。
（一） 保持身心放鬆
在忙碌的課業壓力下，要每天擠出二至四小時練琴，有時還要背負著排不到琴點的憂慮，一進琴房便不假思索地鼕鏘起來，這時，身心都處於緊張疲憊的狀態，根本無法集中精神做完全而有效的練習。此時，不妨以五分鐘的時間作擦琴調息的功課。
心情平靜之後，再做五分鐘放鬆肌肉的動作，然後端坐琴前，閉目調息養神。如此開始，練琴的效果必定 勝過一般。
（二） 有計畫地練習
一個有抱負的學生，應該養成每次練習都做計畫的習慣。根據練習時間的長短，曲目的難易以及個人的特殊狀況等，列一個練習計畫簡表，並且照表進行，而在練習之後再做一番自我評量。
在一般的常態中，大學音樂係的學生每天的練習時數不應少於四小時，練習計畫的擬定有如下幾項大原則：
重質不重量，除了基本的純技巧練習及視奏必須每天練之外，其他作品可一難易輕重，輪流分配時間，而在時間內能夠有所得。絕對不要養成東練西練，卻不知自己練了什麼的習慣。
安排讀譜思考的時間，做無聲的練習。
確立兼顧技巧性及音樂性作品的練習目的。
安排錄音時間，尤其是在演出前兩週，一方面可以訓練自己完整地詮釋樂曲，一方面可以及早發現缺失，適時加以糾正。
視個別狀況，安排休息時間，應避免在精神渙散時繼續練習。
（三） 慢練是萬靈丹
「十次踉蹌九次快」，用這句俗語來警告那些自以為厲害而不顧慢練的學生是頗為貼切的。駕馭雙手在鍵盤上飛翔就像嬰兒之學步一樣，必須小心翼翼地站穩腳步，從慢而小的步伐開始，一步接著一步地練習，直到非常安全穩定時，在邁開腳步走快些，最後才學習奔跑跳躍。這個過程的每一個步驟都是建立在安全感的基礎上，而惟有富於安全感的飛躍，才有自由生動的可能。
一般天分較高的學生常在這方面有所疏忽，因而導致錯音百出、速度不穩、緊張忘譜。他們視譜快、感受強，拿到譜馬上就陶醉在幻想世界裡，卻忽略了理智地分析樂曲，漸進地訓練雙手，深入地探究音樂才是練習的必要途徑。於是披著美麗外衣的詮釋，就在演奏時經不起考驗地剝落了。
要建立慢練的習慣，使用節拍器是最好的方法。其優點大體如下：
1. 加強數細拍的能力。細數拍子是表現精確節奏的必要訓練，而節拍器的推動使練習更具效力。
2. 建立掌握速度的能力和信心。速度的詮釋因人而異，堅強的能力和信心則是快慢自如駕馭速度的條件。
3. 嚴格地控制從慢到快的練習步驟，對自我要求較差的學生有極為明顯的管制功效。
4. 為練習提供速度指標，從而激勵自己朝著指標努力邁進。
（四） 傾聽自己的聲音
「傾聽」在練琴的過程中式極為重要的心理活動，卻常被學生所忽略。我們可以發現有些學生在音樂基礎訓練課程中，音感成績極佳，但在練琴時錯誤百出卻毫不自知；我們也可以發現，有些技巧過人的學生，竟然不能察覺自己在音質層次上的缺乏變化，這都是在練琴時不曾結合「心」和「耳」的結果。
音樂是時間性的聲音藝術，而鋼琴音樂就如同安東‧魯賓斯坦(Rubinstein, Anton 1829-1894)所說：「你認為它是一件樂器嗎？它是一百件樂器！」鋼琴是何等的複雜多變，演奏者必須像樂團指揮一般能瞬息掌握音高音質的細微差異，而這個功夫就是從「傾聽」習慣做來。
自我訓練「傾聽」的能力，大體不離如下步驟：
1. 由複音音樂著手練習，以唱的方式分聲部背譜，然後，彈第一部唱第二部（注意音高準確），再以同樣的方式唱其他聲部，最後只留一個聲部不彈，而以唱代之。
2. 彈奏重要和聲，仔細傾聽辨識，並做移調練習。
3. 只彈和聲進行，用心或口唱出旋律。
4. 閉眼想譜，以內耳想像音響，再彈奏比較之。
5. 經常擔任伴奏或參與室內樂演奏，從合奏中養成「傾聽」的習慣。
（五） 拓展深遠的想像力
鋼琴的演奏藝術就如同其他藝術一般，演奏者必定要具有感性及知性的想像力，才能再創氣韻生動的音樂。然而，能兩者兼備以達平衡者為數極少；也就是說，感性想像力較強者，往往則知性想像力相對減弱，反之亦然。兩者的差距愈大，音樂的表現就愈不完美。
因此在學習的過程中，如何隨時拓展自己深遠的想像力，便是練琴之外的重要功課：
1. 閱讀傳記、詩詞、小說等文學作品，在文學與音樂緊密的交融中，啟發內在的感受能力。
2. 透過對繪畫、舞蹈、戲劇、雕刻等藝術的深入瞭解中，增進對色彩、氣氛、結構、均衡的掌握能力。
3. 接觸大自然以保持一顆純淨易感的新，敏銳地接受音樂的顫動，而吟唱出自然動人的樂音。
4. 熟稔管弦樂團各種樂器的音色及特性，在鋼琴演奏中以意念想像其色彩，而使音響更富層次性。
5. 訓練自己像一個指揮，以想像力駕馭十指，使如樂團一般彼此合作而各盡職守。
四、演奏之際當下放心
鋼琴演奏是樂器演奏中，必須由演奏者獨自面對觀眾來詮釋樂曲的活動。演奏者所承擔的責任和壓力，無疑地，絕對高於其他樂器的演奏者。然而，假若從另一個角度來觀察，鋼琴演奏實際上賦予演奏者較寬廣的自我展現的時空。如果我們已經正確地做好演奏前的練習，那麼，上台展現應該是十分自然愉悅的自我發揮，應該是神氣活現的自我展現，壓力又何足罣礙呢？
對於容易情緒失控的學生，以下幾點建議可茲參考：
1. 上台前和演奏中不要想譜，不去想，就不會自以為忘譜而窮緊張。
2. 演奏中，專注於「音樂」而放下「音符」，正確的練習以使琴人一體，無須擔心音符會字手中消失。
3. 「傾聽」自己的音樂如同練習時一般。當自己成為聽眾時，就不會害怕聽眾。
4. 經常保持冷靜的腦，熱情的心。如果緊張到無法冷靜，就專心於情感面的詮釋，也許有所缺失，但至少不會錯誤百出，不知所云。
5. 演奏前三週，必須完成準備工作。之後，每天慢速練習，錄音，或是找親戚朋友當聽眾做模擬演出。
6. 緊張現前時，立即深呼吸找回自我。
轉自 http://myweb.hinet.net/home15/legatochen/Piano%20and%20the%20player.html
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